Anne Baudequin : Promenade picturale au fil des saisons

Revenons ensemble sur votre histoire. Comment celle-ci a débuté ?

J'ai toujours aimé contempler les paysages, comme une parenthèse hors du quotidien. Dès mes premières peintures à l'âge de quinze ans, j'y ai naturellement puisé mon inspiration.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Art (Olivier de Serres, Paris), mes études m'ont confrontée à d'autres pratiques des arts plastiques, mais ne m'ont en rien détournée de ma passion du paysage. Au contraire, elle s'est renforcée sur les rives de la Loire vers Orléans où je revenais le week-end, chez mes parents, explorer les jeux infinis entre le ciel et le fleuve.

Établie en Haute-Loire pour ses paysages et son patrimoine, j'ai été une vingtaine d'année restauratrice de peintures anciennes au service des Monuments Historiques et des Musées Classés et Contrôlés.

Ce métier m'a permis de connaître intimement dans sa matérialité, la peinture du 16ème siècle à nos jours. C'est un privilège, une expérience rare de pouvoir tenir entre ses mains et sous son pinceau des œuvres de peintres aussi divers que Guy François, Sébastien Bourdon, Félix Ziem, Armand Guillaumin, Maximilien Luce ou Abdallah Benanteur.

Quelles sont vos influences et inspirations artistiques ?

Passionnée par la peinture de paysage, je me suis tournée naturellement vers les peintres paysagistes du 19^e siècle : les aquarelles de John Constable et de Turner, les études en Italie de Jean Baptiste Corot. Cependant, à la tension dramatique des représentations romantiques du paysage, je préfère la poésie réaliste des œuvres de Sisley et Pissarro. J'admire également la vision synthétique d'une grande justesse d'Albert Marquet.

Une session de création avec Anne Baudequin, ça se passe comment ?

Que ce soit en promenade à la quête d'un motif ou vue de mon atelier, l'inspiration me vient de la conjonction heureuse des éléments. Une masse nuageuse, une lumière, des brumes provoquent en moi un besoin impérieux de peindre. Après un tracé rapide sur la toile pour mettre en place la composition, je peins dans l'impatience. Il ne faut pas perdre l'émotion de départ.

J'ai besoin de conserver l'équilibre fragile entre une grande concentration dans l'observation et un lâcher prise nécessaire pour donner sa liberté au pinceau. Le plaisir de peindre tient dans ce jeu entre maîtrise et improvisation.

Si la lumière, les nuages ne sont pas assez stables au vu du format que je souhaite réaliser, j'exécute une série d'esquisses à la gouache sur papier ou panneau préparé. Réalisées en quelques minutes, elles me permettent de saisir l'évolution d'une scène. Elles me servent de base de travail pour les levers, couchers de soleil, effets de lune ou certaines toiles de grand format.

Quel rapport avez-vous avec la toile ?

J'accorde une très grande importance à la matérialité de mes œuvres. À une époque où le plus souvent on découvre l'art au travers de reproductions, il est important de porter toute son attention à la qualité et la beauté de la matière d'une œuvre originale, c'est ce qui lui donne son caractère unique, précieux et sa longévité.

Cela commence par le choix de la toile. Je ne peins que sur une belle toile de lin ancienne au tissage serré et au grain légèrement irrégulier. La qualité de la toile influence directement la touche de l'artiste et restant très visible, elle participe à l'identité de l’œuvre. Je l'apprête et l'enduis moi-même avec une préparation blanche (héritage des peintres impressionnistes) parfaitement adaptée à ma technique de peinture « alla prima ».

Je ne peins qu'à la peinture à l'huile pour la beauté de sa matière dure et brillante, qui garde avec précision la trace du pinceau. Elle traversera le temps, embellissant encore, car c'est une matière vivante. Peu à peu, elle acquiert des transparences s'approchant de l'émail.

J'applique un vernis qui protège durablement l’œuvre mais aussi magnifie la peinture à l'huile en faisant ressortir sa brillance, sa transparence et ses contrastes. Tous ces éléments me permettent de m'exprimer non seulement par l'image mais aussi par la matière, de développer et enrichir une écriture allant de la transparence à des touches vigoureuses qui construisent le sujet et rythment la toile.

Vous êtes particulièrement attachée à votre région, l'Auvergne, et ses paysages qui évoluent au fil des saisons.

J'ai choisi de vivre et de peindre en Haute-Loire pour ses paysages contrastés entre douceur et rudesse. Les Monts du Velay ont été modelés par le volcanisme, mais avec le temps, l’érosion, la végétation et l’empreinte de l’homme ont effacé tout caractère inquiétant et menaçant. Les cheminées volcaniques, sucs, gardes, éboulis et coulées forment des paysages tout en courbes et rondeurs où même les prés sont « bossus », comme on dit ici. 

Le ciel participe à cette douceur. Si au-dessus de notre tête il n’a rien à envier par l’intensité de son bleu au ciel du midi, il prend des tons rosés vaporeux à l’horizon. Comme si la terre rouge pouzzolane qui teinte les prairies imprégnait aussi l’atmosphère.

Sur les hauts plateaux au climat rude du Massif du Mézenc, balayés par les vents, on est saisi par l'immensité des pâturages, le regard porte à l’infini, jusqu’à ce que nuages et brumes se confondent avec les monts. On y ressent la solitude et la puissance des éléments.

Un peu à la manière de Monet, les variations d'heures et de météo vous inspirent…

Ce n'est pas un choix délibéré, contrairement à Claude Monet, il n'y a pas chez moi de préméditation ni volonté de créer des séries. Ma maison avec vue sur les Monts du Velay domine les gorges de la Loire.

Chaque jour, à toute heure, le spectacle changeant qui s'offre à moi me fascine et déclenche l'envie irrépressible de peindre. Cette relation intime avec le motif me permet d'en saisir les subtiles et infinies variétés atmosphériques. Il s'est naturellement imposé à moi comme sujet principal. Chacune de mes toiles représente l’instant où la beauté inattendue d’une lumière transforme ce paysage familier et m’appelle à le contempler.

Pratiquez-vous l'aquarelle, qui semblerait bien se prêter à votre sujet ?

Plutôt que l'aquarelle, je travaille la gouache aquarellée qui convient mieux à mon tempérament impétueux en peinture. Je la pratique en voyage ainsi que pour réaliser les croquis d'étude.

Cependant, toujours à la recherche de plus de justesse, je lui préfère l'huile qui ne me trahit pas. Un ton posé ne varie pas au séchage. Pour autant comme à l'aquarelle, je joue avec le fond blanc de ma toile. Il apparaît en réserve un peu partout et en transparence dans les ciels. Je ne travaille que dans le frais et il reste toujours dans mes toiles achevées la spontanéité du geste sans retour.